Что такого в маленьких, причудливых музеях, которые делают их такими привлекательными? Возможно, это связано с тем, что их можно проследить до древности, когда в греко-римских храмах были выставлены как чудесные произведения искусства, так и языческие реликвии - копье Ахилла, сандалия Елены Троянской или «кости великанов» (обычно это окаменелые останки мамонта). Средневековые соборы продолжали традицию: раковины черепахи или «яйца грифонов» (на самом деле это страусы) могли быть помещены рядом с мощами святых. В эпоху Возрождения итальянские князья начали собирать шкафы для курьезов, эклектичных экспозиций, которые могли включать любое творение человека или природы: египетские мумии, жемчужины, классические скульптуры, насекомые, гигантские морские ракушки или «рога единорога» (чаще всего из нарвалов). Итальянская коллекционная мания распространилась так, что к концу 18-го века в богатых домах по всей Европе были тысячи частных галерей. Во время своих грандиозных туров по Континенту путешественники могли путешествовать из одной чудесной гостиной в другую, рассматривая красивые и таинственные объекты.
Связанный контент
- Тони Перроттет в «Маленьких чудесах»
К середине 1800-х годов финансируемые государством учреждения, такие как Лувр, Британский музей и мадридский Прадо, начали приобретать эти частные коллекции, многие из которых были унаследованы членами семьи, которым не хватало ни финансов, ни энтузиазма, чтобы поддерживать их. Тем не менее, несмотря на финансовое преимущество крупных музеев, маленькие, эзотерические музеи держались цепко. Фактически, Европа все еще полна ими, и они вызывают преданность, которой часто не делают их более великие коллеги.
Многие из этих небольших коллекций до сих пор хранятся в домах их владельцев и отражают их личность. Некоторые из них могут похвастаться коллекциями, которые имели бы почетное место в более крупных музеях, но внутренние условия позволяют ощутить чувство близости, которое трудно найти в огромных галереях. И, несмотря на свои особенности, эти домашние музеи часто предоставляют редкий вход в историю и характер города. Вот четыре фаворита:
Лондон
Музей сэра Джона Соуна
Это был влажный лондонский вечер, когда я пересек большую зеленую площадь Линкольнс Инн Филдс в сторону со вкусом ряда грузинских таунхаусов цвета серовато-коричневого цвета. При ближайшем рассмотрении фасад № 13 объявил, что это был не обычный дом: на итальянской лоджии или веранде из кремового портландского камня были установлены четыре готических постамента, а наверху была установлена пара реплик древнегреческих кариатид. Но эти расцветы лишь намекают на удивительный мир, который находится в бывшем доме сэра Джона Соуна (1753-1837), одного из самых выдающихся архитекторов Великобритании - и прилежных коллекционеров. Соун не только превратил свой дом в щедрый частный музей, но и обеспечил, чтобы ничто не могло быть изменено после его смерти. В результате музей сэра Джона Соуна, возможно, является самым эксцентричным местом в городе, который полон эксцентричных достопримечательностей. Посещая его, вы чувствуете, что сам Соан может в любой момент шагнуть, чтобы обсудить классику бренди. Чтобы сохранить близость опыта, только 50 посетителей допускаются внутрь одновременно. И воспоминание о прошедшем времени будет еще более интенсивным, если вы посетите, как я, первый вечер вторника месяца, когда музей почти полностью освещен свечами.
Когда я позвонил в колокольчик, открылась внушительная деревянная дверь, открывая седовласого джентльмена, который вполне мог быть дворецким Соана. Пока я подписывал гостевую книгу, дежурный осматривал мое пальто и зонтик, забирая их на хранение. Затем меня привели в помпейскую красную комнату.
«Надеюсь, тебе понравится дом», - прошептал дежурный.
На каждом столе и камине свечи горели в стеклянных цилиндрах. Когда я осторожно прошел по коридору, мои глаза привыкли к свету, и я начал разглядывать предметы и мебель, которые почти не изменились за 170 лет. Дом представляет собой причудливо разработанный лабиринт, заполненный до отказа искусством: классические бюсты, фрагменты колонн и греческих фризов, китайские вазы и статуи греческих и римских богов, в том числе состав знаменитого Аполлона Бельведера . Едва ли дюйма места на стене было потрачено впустую, и все же эффект не клаустрофобный: арки и купола взмывают вверх, выпуклые зеркала обеспечивают обширные виды и балконы зевают над внутренними дворами. Как и любой приличный кабинет любопытства, экспонаты также включают в себя такие странности, как «большой гриб из скал острова Суматра» (как Соун описал это в своем собственном инвентаре 1835 года) и своеобразную ветвь ясеня. В добавление к чувству тайны и в соответствии с пожеланиями Соуна, ни на одном из артефактов нет никаких ярлыков, хотя теперь некоторая информация предоставляется на ручных деревянных «летучих мышах», которые незаметно сидят на столах в каждой комнате.
«Люди действительно реагируют на вечерние свечи», - говорит директор музея Тим Нокс. Фактически, надзиратели, как называют охранники музея, начали выключать свет в дневное время, говорит он мне, «чтобы улучшить атмосферу периода. Полусвет заставляет людей по-настоящему смотреть на экспонаты».
Соан был ведущим архитектором Великобритании в течение почти пяти десятилетий, и его многочисленные комиссии по всему Лондону - Картинная галерея Далвич; Королевская больница, Челси; Усадьба Питжангер. (Даже культовые красные телефонные будки в Британии были вдохновлены дизайном Соуна для гробницы его жены в садах Сент-Панкрас.) Но это было в его собственном доме, призванном подчеркнуть то, что Соан назвал «причудливыми эффектами, составляющими поэзию архитектуры», - что его творчество получило свободу действий. С 1792 по 1824 год Соун приобрел, снес и восстановил три городских дома вдоль площади, начиная с № 12 и переходя к 13 и 14. Сначала они были домом для него самого, его жены и двух их сыновей, но начиная с 1806 года, когда он был назначен профессором архитектуры в Королевской академии, он начал использовать их для демонстрации своих архитектурных проектов и моделей. Со временем его растущая коллекция древностей стала более важной, и с бесконечной изобретательностью он перепроектировал свои интерьеры, чтобы показать артефакты в полной мере.
Объекты были размещены так, что каждый ход предлагает открытие. В одну минуту вы сталкиваетесь с великолепной римской мраморной статуей Дианы Эфесской. На следующем этапе вы входите в комнату с картинками, на которой изображены такие картины, как « Прогресс граблей» Хогарта, серия из восьми изображений, на которых изображен упадок гедонистического молодого аристократа. Как только вы закончили восхищаться множеством рисунков римских руин Пиранези, надзиратель открывает панель в стене, чтобы показать группу картин Джозефа Майкла Ганди, рисовальщика Соуна. Питер Коллинз с серым храмом держит в своем отвороте гвоздику и красный платок в верхнем кармане. Он работает в музее десять лет и знает свою аудиторию. Он делает паузу для эффекта, прежде чем открыть еще одну панель, на этот раз открывая балкон, который смотрит на средневековую коллекцию - так называемый Цветной монах - наполненный готическими фрагментами и гримасами гримас. В соседней нише бронзовая нимфа с голой грудью застенчиво позирует на уровне глаз над масштабной моделью самого впечатляющего архитектурного достижения Соана - Банка Англии. (Банк, над которым он работал в течение 45 лет, был снесен в 1920-х годах как устаревший - шаг, который многие историки архитектуры считают пародией.)
Изюминка коллекции находится в подвале, где вокруг алебастрового саркофага египетского фараона Сети I захоронено погребальное искусство - гордость и радость Соуна, приобретенные в 1824 году за 2000 фунтов стерлингов (около 263 000 долларов сегодня) у итальянского искателя приключений Джованни Бельцони., В 1825 году Соун провел серию "саркофаговых вечеринок" при свечах, чтобы отпраздновать его прибытие. В общественных феериях приняли участие такие светила, как герцог Сассексский, епископ лондонский, поэт Сэмюэль Колеридж и художник-пейзажист Дж. М. У. Тернер. Барбара Хофланд, гостья, писала, что на этом мероприятии фигуры появлялись как призраки из «глубокой массы теней», а свечи сияли «как блестящие ореолы вокруг мраморных головок, « создавая эффект », как во сне поэзии Элизиума».
Среди множества статуй в музее легко пропустить бюст 1829 года самого Соуна на первом этаже, над статуями Микеланджело и Рафаэля. Сын каменщика, Соун восстал из скромного происхождения; за мастерство рисования он выиграл стипендию для поездки в Европу, что позволило ему посетить Италию и развить страсть к греко-римскому искусству. Когда он умер в зрелом 83-летнем возрасте, Соун был одним из самых выдающихся людей в Британии, человек, как писал Хофланд о гостях на саркофаге, казалось бы, «освобожденный от общего зла жизни, но пробудившийся ко всем его щедрым чувствам» «.
Это счастливое впечатление подкрепляется рисунком семьи Гэнди в 1798 году: Соун и его жена Элизабет едят рулетики с маслом, а их два маленьких сына, Джон и Джордж, бегут неподалеку. Конечно, Соун был не более невосприимчив к капризам судьбы, чем остальные из нас. Его самые заветные амбиции состояли в том, чтобы основать «династию архитекторов» через своих сыновей, но Джон был поражен потреблением, когда ему было за тридцать, и Джордж вырос, чтобы быть вполне граблями, накапливая огромные долги и даже публикуя анонимные атаки на архитектуру своего отца., Тогда и Соун, возможно, не был самым легким отцом. «Он мог бы быть человеком обаятельного, - говорит архивариус музея Сьюзан Палмер, - но он также был очень возбужденным, очень обидчивым и капризным, с реальным чипом на плече о своем плохом происхождении».
Опасаясь, что Джордж продаст свою коллекцию, когда он умрет, Соун обеспечил ее увековечивание в своем завещании и смог добиться в парламенте акта 1833 года, чтобы гарантировать, что его дом останется местом, как он писал, для «Любителей и студентов в Живопись, скульптура и архитектура ". В результате музей Соуна и по сей день находится в ведении Фонда Соуна, хотя в 1940-х годах британское правительство взяло на себя расходы по содержанию, чтобы сделать его бесплатным для публики, как это было со времени смерти Соуна в 1837 году ». Слава богу, мистер Соун не ладил с молодым Джорджем, - со смехом заметил один из надзирателей. "Я был бы без работы!"
Я перешагнул вниз через полусвет, поправил пальто и зонтик и направился к корабельной таверне, пабу 16-го века за углом. Вкопавшись в пастуший пирог, я вспомнил слова Бенджамина Роберта Хейдона, другого гостя саркофаговой вечеринки: «Это было самое прекрасное удовольствие, которое можно было видеть, когда люди приходили в библиотеку после блуждания внизу среди гробниц, столиц и валов, и головы без носа, с каким-то выражением восторженного облегчения от того, что они снова оказываются среди живых, с кофе и тортом ".
Париж
Музей Жакмар-Андре
По всему Парижу разбросаны десятки небольших музеев, и их самыми преданными покровителями являются сами парижане. У некоторых есть солидные коллекции, такие как Музей Карнавале, который специализируется на драматической истории города и демонстрирует такие предметы, как бюст Марата, модель Бастилии и пряди волос Марии Антуанетты. Другие - бывшие резиденции святых французских художников и писателей - студия Делакруа, квартира Виктора Гюго и привлекательный мезонин Бальзак, чья самая яркая выставка - кофейник с монограммой автора.
Но никто не внушает такой верности, как Жакмар-Андре.
Если в музее сэра Джона Соуна чувствуется эксцентричный гений Лондона, то музей Жакмар-Андре - это вершина хорошего вкуса. Это скорее музей особняков, чем дом-музей. Тем не менее, здесь жили знатоки Эдуард Андре и его жена Нели Жакмарт, сказочно богатая пара, которая в 1880-х и 90-х годах построила собственный автономный мир искусства и красоты на бульваре Осман. - модный проспект на Правобережье, недалеко от Елисейских полей - изобилует шедеврами, которые кураторы Лувра несомненно жаждут по сей день.
На первый взгляд, музей не мог больше отличаться от музея Соуна. Взрываясь от цвета, он источает роскошное ощущение пространства. Но не меньше, чем у Соана, он уносит посетителей назад в другую эпоху - в данном случае, в Париж эпохи Ла-Белль, когда город расцвел как европейская столица элегантности, и в еще более ранний золотой век Людовика XV и Людовика XVI.
Едва один шаг от старой проезжей части кареты в формальный внутренний двор, как звук парижского движения исчезает. Поднимаясь по широким каменным ступеням, украшенным скульптурными львами, чувствуешь прилив привилегий, как гость, приглашенный на частный вечер. Внутри каждый встречается портретом самого мастера Эдуарда Андре, длиной в три четверти, - лихая фигура в форме Императорской гвардии при императоре Наполеоне III, в комплекте с золотой парчой и алыми штанами. Ухоженная гардиенн ведет гостей в картинную галерею, где продолжается соблазнение. Андре страстно увлекался французским искусством 18-го века, подогревавшимся его ностальгией по дореволюционным дням, и первый этаж посвящен этому. На позолоченных холстах сладострастные богини плавают обнаженными на облаках, а розовощекие дети позируют с птицами и котятами. Посетитель дрейфует из позолоченного Большого салона в парящую музыкальную комнату, где когда-то собирались официально одетые гости для концертов, затем в Зимний сад со стеклянной крышей, заполненный экзотическими растениями и сверкающим мрамором, где экстравагантная двойная лестница поднимается к второй этаж.
И вот дом разворачивается, предлагая одну ослепительную галерею за другой. В библиотеке, где Эдуард и Нели изучали художественные каталоги и планировали свои покупки, хранится коллекция голландских картин мирового класса, в том числе три Рембрандта и три Ван Дейка. Японская керамика и персидские древности оживляют комнату для курения, где Эдуард после обеда уходит со своими спутниками-мужчинами, чтобы покурить сигары и обсудить актуальные вопросы, в то время как в Гобеленовой комнате, используемой для деловых встреч, стоят сцены из жизни русского крестьянства. у фабрики гобеленов Бове в 1767 году. Когда кто-то поднимается на второй этаж, игривая фреска Тьеполо на стене лестницы изображает прибытие Генриха III в Венецию. Верхний уровень посвящен «Итальянскому музею» пары - одной комнате для скульптуры эпохи Возрождения, второй для флорентийского искусства, в том числе двум картинам Боттичелли и третьей комнате для любимой коллекции Андре искусства Венеции.
Особняк, который был спроектирован для Андре архитектором Анри Парантом, был завершен в 1875 году, когда бульвар Осман был одним из новых шикарных адресов Парижа, а Андре был одним из самых подходящих холостяков города. Наследник огромного банковского состояния, он разочаровался в общественной жизни и решил посвятить себя коллекционированию искусства и изданию журнала по изобразительному искусству. В 1881 году, когда ему было почти 50 лет, он женился на Нели Жакемар, женщине, которая нарисовала его портрет девятью годами ранее. Во многих отношениях она не подходила для этого аристократического бульвара. Около 40 лет Жакемар не была красавицей из высшего общества. Она была независимой женщиной из скромного происхождения - очевидно, незаконнорожденной - которая поддерживала себя в качестве художника-портретиста, что было довольно необычным достижением для женщины в то время.
Это был брак, основанный на общем вкусе. За 13 лет совместной работы пара ежегодно путешествовала, чаще всего в Италию, где они посещали аукционы с помощью экспертов из Лувра, которые были мотивированы, чтобы выиграть искусство для Франции. После смерти Эдуарда в 1894 году, в возрасте 61 года Нели продолжала путешествовать по миру, доходя до Бирмы за своими покупками. После своей смерти в возрасте 71 года в 1912 году она пожертвовала дом Институту Франции (академической организации, управляющей фондами и музеями) при условии, что коллекция останется нетронутой, чтобы французская публика могла видеть, сказала она в своем завещании: «где пара любителей искусства прожила жизнь удовольствия и роскоши».
Действительно, получить огромное удовольствие от того, чтобы увидеть картины и скульптуры пары, смешанные с их предметами искусства и изысканной мебелью в домашней обстановке. Однако через некоторое время даже самый тонкий вкус может стать немного властным. Посетители не могут не говорить тихими голосами, чтобы не нарушить изысканное равновесие.
Но особняк врывается в бурную жизнь в столовой - бывшем сердце оригинального особняка - которая была превращена в один из самых роскошных кафе-ресторанов Парижа. В этом просторном зале, где пара развлекала друзей под щедрыми гобеленами, теперь можно насладиться салатом тихого и бокалом Совиньон Блан. Здесь странное чувство, что за тобой наблюдают не только соседи: потолок - изумительная шутка, еще одна фреска в Тьеполо, на которой изображена толпа венецианских дворян, склонившихся над балюстрадой, указывающих и улыбающихся посетителям внизу.
На камине стоит бюст Нели Жакемар. Многие из них не вписались в модный город города - в более позднем возрасте она удалилась в свой сельский замок Chaalis, сегодня еще один великий дом-музей, в 30 милях от города - но она, безусловно, очень гордилась своей коллекцией, и один воображает, что она все еще греется в удовольствии, которое она создает.
Мадрид
Музей Соролья
Мадрид - город экстравагантных фасадов, чьи истинные достопримечательности лежат за закрытыми дверями. Скрытый за каменной стеной в бывшем рабочем районе Чамбери, в десяти минутах езды на такси от суеты Пласа Майор в центре Мадрида, находится наполненный солнцем Музей Сороллы. Бывший дом и художественная студия одного из самых любимых испанских художников, Хоакина Сороллы и Бастиды, это сочный сад с звенящими фонтанами и обильными цветами, взрывом средиземноморского колорита и радости жизни .
С 1911 по 1923 год этот дом в андалузском стиле был резиденцией одного из самых известных художников мира. Родившись в 1863 году в скромной семье в Валенсии, Соролла держался на расстоянии от авангардных движений Европы, но завоевал международную известность благодаря своей утонченной технике, вызывая игру солнца в своих сценах на средиземноморских пляжах и в образах испанской повседневной жизни.
Попасть в соблазнительные рамки комплекса, где Соролла жил со своей женой и тремя детьми, все равно, что войти в одну из светящихся картин художника. С его мавританскими расцветами, тихими бассейнами и постоянным звуком текущей воды сад был тем местом, где он больше всего любил рисовать. Когда я посетил, частная аркадия Сороллы была заполнена серьезными студентами, которые экспериментировали с акварелью в тенистых углах. Плиточные ступени ведут к дому, в первых комнатах которого выставлены его работы, так же как и 80 лет назад для потенциальных покупателей. Жилые помещения дома содержат оригинальную семейную мебель в стиле модерн и лампы Tiffany. Но эмоциональным ядром дома является студия Сороллы, большая сводчатая комната, окрашенная в розовый цвет и залитая солнцем. Мольберты Сороллы готовы, как будто он только что уехал на сиесту; его палитры, кисти и наполовину использованные трубки с краской находятся рядом. Небольшая турецкая кровать занимает один угол комнаты, а на стенде лежит книга песен 16-го века. Рисунок Сороллы, сделанный из знаменитого портрета Веласкеса Папы Иннокентия X, стоит над всеми.
Соролла переехал в дом, который он построил в 1911 году, в самый разгар своей карьеры. К тому времени он выставлял свои работы из Лондона в Сент-Луис, штат Миссури, был награжден международными наградами, подружился с интеллектуалами и художниками, включая Джона Сингера Сарджента, нарисовал портрет испанского короля Альфонсо XIII и президента США Уильяма Говарда Тафта и, под под патронажем наследника железной дороги Арчера Хантингтона было поручено нарисовать обширную фреску в Латиноамериканском обществе Америки в Нью-Йорке.
После его смерти в 60 лет в 1923 году международная репутация Сороллы пострадала, омраченная работами постимпрессионистов, таких как Сезанн и Гоген. Как и в случае с его другом Сарджентом, многие критики решили, что Соролла слишком консервативный и коммерческий. Но в Мадриде художественное положение Сороллы никогда не поколебалось, и с момента его открытия его вдовой и сыном в 1931 году Музей Сороллы, в котором также находится самая обширная коллекция его работ в мире, пользуется постоянным потоком паломников. Сегодня их вера подтверждается; Соролла переоценивается критиками, которые ставят его в качестве моста между старыми испанскими мастерами, такими как Веласкес и Гойя, и постимпрессионистами. В 2006 году в престижном мадридском музее Тиссена-Борнемиса состоялась выставка «Сарджент / Соролла», посвященная параллельной карьере пары.
В Museo Sorolla, как и во всех домашних музеях, звучит меланхоличный аккорд: мы узнаем, что художник писал портрет в своем любимом саду в 1920 году, когда в возрасте 57 лет он перенес инсульт. Хотя он прожил еще три года, он создал мало новой работы. Но такие мрачные размышления не подходят ни дому, ни чувственному духу современного Мадрида. Лучшее решение - как, вероятно, сам Соролла согласился бы - пойти в соседнее кафе, чтобы выпить бокал вина Vino Blanco и погреться под испанским солнцем.
Прага
Дом Черной Мадонны: Музей чешского кубизма
Сердце Праги, не пострадавшее от двух мировых войн, ощущается как фантазия Старой Европы. Готические шпили обрамляют кафе в стиле модерн, а на средневековых астрономических часах, рядом с домом детства Франца Кафки на Староместской площади, статуя Смерти все еще тянет за колокольчик, чтобы пробить час. Но если вы свернете улицу в стиле барокко под названием Селетна, вы столкнетесь с совершенно другим аспектом города - суровым и удивительным Домом Черной Мадонны, одним из первых в мире кубистических зданий, в котором сегодня находится Музей чешского кубизма. Спроектированный пражским архитектором Йозефом Гокаром, Дом был шокирующе современным, даже революционным, когда он открылся как универмаг в 1912 году - и до сих пор так кажется сегодня. Общая форма, соответственно, похожа на коробку и предсказуемо аскетична, но при ближайшем рассмотрении фасад разрушается из-за изобретательного использования углов и плоскостей. Большие эркеры выступают, как кристаллы кварца, а угловые орнаменты отбрасывают тонкие тени. Интерьер не менее необычен: в городе впервые используется железобетон, позволяющий строить просторные открытые пространства. Своеобразное название Дома происходит от статуи Черной Мадонны с Младенцем 17-го века, спасенной от предыдущей постройки на месте и теперь расположенной как подставное лицо в одном углу здания.
Но даже Мадонна не могла защитить Дом от капризов чешской истории. После Второй мировой войны и прихода к власти коммунистов универмаг был постепенно разрушен и разделен на офисные помещения. После того, как Бархатная революция 1989 года положила конец коммунистическому правлению, здание было недолгим как культурный центр, но только в 2003 году оно нашло свою логическую роль в ткани Праги - как святыня славы чешского кубизма.
Большинство из нас думают о кубизме как об эзотерическом авангардном движении, выдвинутом парижскими художниками Пабло Пикассо, Жоржем Браком и другими в годы, предшествовавшие Первой мировой войне. Но это движение охватило всю Европу и охватило и столицы России и Восточной Европы - нигде не так настойчиво, как в Праге, где кубизм был использован, хотя бы на мгновение раскаления, как возможный ключ к будущему.
«В Париже кубизм затронул только живопись и скульптуру», - говорит Томас Влчек, директор Коллекции современного искусства в Национальной галерее страны, которая курирует Музей чешского кубизма. «Только в Праге кубизм был адаптирован ко всем другим отраслям изобразительного искусства - мебели, керамике, архитектуре, графическому дизайну, фотографии. Таким образом, кубизм в Праге был грандиозным экспериментом, поиском всеобъемлющего современного стиля, который мог бы быть самобытным. Чешский язык."
Группа чешских кубистов - главным образом Гокара, Отто Гутфрунда и Богумила Кубисты - впервые собралась вместе в 1911 году, основав журнал Artistic Monthly и организовав свои собственные выставки в годы, предшествовавшие Первой мировой войне. Это было время интенсивного оптимизма и энергии в Прага. Этот небольшой восточноевропейский мегаполис, один из самых богатых в Австро-Венгерской империи, использовал творческие чешские, немецкие и еврейские традиции для творческого взрыва. Художники-экспатрианты возвращались из Парижа и Вены, чтобы поделиться радикально новыми идеями в салонах; Кафка писал свои первые кошмарные истории; Альберт Эйнштейн читал лекции в городе как профессор. «Это было что-то вроде рая», - говорит Влчек с задумчивым видом.
Сегодня Музей чешского кубизма является святыней расцвета движения (1910-1919 гг.), А само здание является главной выставкой. Прихожая - это угловое исследование из кованого железа. Внутри сразу поднимается лестница кубистского дизайна. В отличие от лестниц в « Обнаженном спуске по лестнице» Марселя Дюшана, лестница, к счастью, ровная, но металлическая балюстрада представляет собой сложную игру геометрических форм. Есть три этажа кубистических экспонатов, заполненных уникальными для Праги видами искусства. Изящные диваны, туалетные столики и шезлонги - все имеют резко наклонные линии. Здесь представлены абстрактные скульптуры и картины, смелая, зигзагообразная графика, а также дерзкие вазы, зеркала и фруктовые чашки.
Хотя это может быть не только домашний музей, но у него есть домашнее чувство. Многочисленные черно-белые портреты малоизвестных художников в шляпах-котелках и галстуках-бабочках демонстрируют процветающий богемный набор персонажей: один диван, как мы узнаем, был «разработан для актера Отто Болеска», а другой - для профессора отца Зависка. " То, что звучит как пародия Вуди Аллена на культурное самопоглощение, отражает уникальную природу самой Праги, города, который гордится своей самой загадочной историей. И, как и все маленькие музеи, связанные с их происхождением, уникальные особенности вернули призраков к жизни. Теперь посетители могут уединиться в оригинальной кубистской столовой здания, Grand Café Orient, спроектированной Гокаром в 1912 году. Это когда-то популярное место встреч художников было закрыто в 1920-х годах и разрушено во времена коммунизма, но тщательные исследователи использовали несколько выживших планов и фотографии, чтобы воссоздать его. Теперь, после восьмидесятилетнего перерыва, новое поколение богемцев может поселиться под кубистическими люстрами на кубистических стульях (не так неудобно, как кажется), чтобы спорить о политике из-за пинты непастеризованного Пилснера. Наконец, на первом этаже музейный магазин воссоздает коллекцию кубистических кофейных чашек, ваз и чайных сервизов по оригинальным проектам архитектора и художника Павла Янака, а также предлагает репродукции кубистской мебели Гокара и других.
После полудня, погруженного во все эти углы, я начал замечать тонкие следы кубизма в архитектурном роге изобилия на улицах Праги - например, в дверях бывшей штаб-квартиры профсоюза и на изящной арке, обрамляющей скульптуру в стиле барокко рядом с церковью, Вдохновленный, я решил отследить кубинский фонарный столб, о котором я слышал, разработанный в 1913 году одним Эмилем Краличеком. Потребовалась небольшая борьба с названиями чешских улиц, но я наконец нашел ее в глухом переулке в Новом городе: он выглядел как стопка кристаллов, поставленных на дыбы.
Я мог вообразить сэра Джона Соуна - доставленного в современную Прагу - остановившегося перед ним в невозмутимом восхищении.
Последняя книга Тони Перротта « Наполеоновские ряды», сборник эксцентричных историй, выходит в этом месяце из HarperCollins.
