Все тенденции со временем проясняются. Глядя на искусство даже через 15 лет, «вы можете видеть рисунки немного лучше», - говорит Мелисса Хо, помощник куратора в музее Хиршхорна. «Существуют более глубокие и глубокие тенденции, связанные с тем, как мы живем в мире и как мы его переживаем».
Так что же такое современное искусство? Вопрос, по ее словам, менее ответственен, чем бесконечно обсуждаемый.
Технически, говорит Хо, современное искусство является «культурным выражением исторического момента современности». Но то, как распаковать это утверждение, оспаривается. Один из способов определить современное искусство или что-то на самом деле, это описать то, чем оно не является. Традиционная академическая живопись и скульптура доминировали в 17, 18 и 19 веках. «Речь шла об идеальной, бесшовной технике и использовании этой совершенной, бесшовной техники для выполнения очень устоявшегося предмета», - говорит Хо. Была иерархия жанров, от исторических картин до портретной живописи до натюрмортов и пейзажей, и очень строгие представления о красоте. «Частью победы модернизма является переворот академических ценностей», - говорит она.
В некоторой степени отрицательная реакция на традиционное академическое искусство, современное искусство о личном самовыражении. Хотя исторически это не всегда было так, объясняет Хо, «теперь кажется почти естественным, что то, как вы думаете о произведениях искусства, является выражением индивидуального видения». Модернизм охватывает огромное разнообразие художников и видов искусства. Но ценности, стоящие за кусочками, практически одинаковы. «В современном искусстве новый акцент делается на ценности оригинальности и новаторства», - говорит Хо.
Эдуард Мане и импрессионисты считались современными, отчасти потому, что они изображали сцены современной жизни. Промышленная революция принесла толпы людей в города, и в городской жизни появились новые формы отдыха. Внутри галерей Хиршхорна Хо указывает на « Люди Чилмарка» Томаса Харта Бентона, картину массы запутанных мужчин и женщин, немного напоминающую классический Микеланджело или знаменитый Плот Медузы Теодора Жерико, за исключением того, что это современная пляжная сцена, вдохновленный городом Массачусетса, где Бентон подвел итоги. Ringside Seats, картина боксерского поединка Джорджа Беллоуза, висит рядом, так же как и три картины Эдварда Хоппера, одна из которых называется « Первый ряд оркестров театралов», ожидающих, когда шторы будут опущены.
В искусстве эпохи Возрождения высоко ценилась подражающая природа. «Затем, после того, как это откололось, абстракция может процветать», - говорит Хо. Такие работы, как Бентон и Хоппер, представляют собой сочетание наблюдения и изобретения. Кубисты в начале 1900-х годов начали играть с пространством и формой таким образом, что искажало традиционное изобразительное представление.
Искусствоведы часто используют слово «автономный» для описания современного искусства. «Речь идет о« искусстве ради искусства », - объясняет Хо. «Он не должен существовать для какой-либо полезной ценности, кроме его собственной экзистенциальной причины существования». Таким образом, оценка современного искусства - это другое животное. Вместо того, чтобы спрашивать, как можно было бы с картиной истории, о повествовании: кто главный герой? А что за действие? Оценивая картину, скажем, Пита Мондриана, становится больше о композиции. «Речь идет о композиционном напряжении, - говорит Хо, - формальном балансе между цветом, линией и объемом с одной стороны, но также и о его исключительной чистоте и строгости»
Согласно Хо, некоторые говорят, что модернизм достигает своего пика с абстрактным экспрессионизмом в Америке во время Второй мировой войны. Каждый художник движения пытался выразить свой индивидуальный гений и стиль, особенно через прикосновение. «Таким образом, вы получаете Джексона Поллока с его капающей и бросающей краской», - говорит Хо. «Вы получаете Марка Ротко с его очень яркими, тонко окрашенными цветными полями». И, в отличие от невидимой кисти в сильно застекленных академических картинах, мазки на картинах Виллема де Кунинга свободны и иногда толсты. «Вы действительно можете почувствовать, как это было сделано», - говорит Хо.
Однако вскоре после Второй мировой войны идеи, управляющие искусством, снова начали меняться. Постмодернизм отдаляется от современного акцента на оригинальности, и работа намеренно безлична. «Вы видите много работы, в которой используются механические или квазимеханические или настольные средства», - говорит Хо. Энди Уорхол, например, использует шелкографию, по сути устраняя его прямое прикосновение, и выбирает предметы, которые отыгрывают идею массового производства. В то время как современные художники, такие как Марк Ротко и Барнетт Ньюман, сделали выбор цвета, который должен был эмоционально соединиться со зрителем, художники постмодерна, такие как Роберт Раушенберг, привносят в этот процесс шанс. Раушенбург, говорит Хо, был известен тем, что покупал краску в немаркированных банках в хозяйственном магазине.
«Постмодернизм связан с деконструкцией идеи:« Я художественный гений, а я тебе нужен », - говорит Хо. Такие художники, как Сол ЛеВитт и Лоуренс Вайнер, работающие в Хиршхорне, еще больше уклоняются от авторства. Часть Вейнера под названием «РЕЗИНОВЫЙ ШАР, КОРОБКИЙ В МОРЕ, Кат. № 146 », например, выставлен в музее крупной синей надписью без засечек. Но Вайнер был открыт для воспроизведения семи слов любого цвета, размера или шрифта. «Мы могли бы взять маркер и написать его на стене», - говорит Хо. Другими словами, Вайнер считал, что его роль художника больше связана с концепцией, чем с производством. Аналогичным образом, некоторые из рисунков Левитта конца 1960-х годов являются в основном рисунками по инструкции. Он дает инструкции, но любой, теоретически, может их выполнить. «В этом послевоенном поколении, в некотором роде, есть тенденция к демократизации искусства», - говорит Хо. «Подобно рисунку Сола ЛеВитта, именно это мнение может сделать любой человек».
Такие ярлыки, как «модерн» и «постмодерн», и попытки точно определить даты начала и окончания каждого периода, иногда раздражают историков искусства и кураторов. «Я слышал всевозможные теории», - говорит Хо. «Я думаю, что правда в том, что современность не произошла в определенный день. Именно эта постепенная трансформация произошла в течение пары сотен лет ». Конечно, по практическим соображениям необходимо устанавливать даты в два раза при обучении курсам истории искусств и организации музеев. По опыту Хо, современное искусство обычно начинается около 1860-х годов, а постмодернистский период укореняется в конце 1950-х годов.
Термин «современный» не привязан к историческому периоду, как современный и постмодернистский, но вместо этого просто описывает искусство «нашего времени». На этом этапе работы, относящиеся к 1970 году, часто считают современными. Неизбежная проблема с этим заключается в том, что она создает постоянно расширяющийся круг современных работ, за которые несут ответственность профессора и кураторы. «Вам просто нужно следить за тем, как идут дела», - советует Хо. «Я думаю, что они будут пересмотрены».
