Соединение настоящего с прошлым является главной задачей историков, и особенно историков, которые работают в музеях. На новой выставке «Темные поля республики», которую я курировал для Национальной портретной галереи, представлены фотографии Александра Гарднера, ученика Мэтью Брэди, который одним из первых засвидетельствовал ужасы на полях сражений гражданской войны. Во время героического и трагического среднего периода в американском 19-м веке именно шокирующие образы Гарднера помогли вступить в современный мир.
Связанный контент
- Александр Гарднер видел себя художником, создавая образ войны во всей ее жестокости
- Почему мы не можем отвести взгляд от гротеска и жуткого?
- Яркие образы жертв гражданской войны вдохновляют внутреннюю музу ученого
Марта Макдональд, артистка из Филадельфии, была привлечена к вопросу о траурных ритуалах викторианской эпохи в своих ранних работах «Затерянный сад» (2014) и «Плачущее платье» (2012), и когда мы попросили ее создать пьесу для сопровождения и усиления Темы шоу Гарднера она с готовностью согласилась.
Гарднер был одной из главных фигур фотографической революции в искусстве и культуре, которая произошла в Соединенных Штатах и Европе в середине 19-го века. Уроженец шотландцев и рабочего класса, Гарднер был очарован появившейся технологией фотографии и нашел работу в студии Брейди, для которой он занимался как портретной фотографией, и, что наиболее важно, начал снимать боевые пейзажи гражданской войны. Успех его фотографий на его выставке 1862 года «Мертвые в Антиетаме» позволил Гарднеру самостоятельно нанести удар, создать свою собственную галерею в Вашингтоне и продолжить фотографировать войну, а затем и американский запад.
Чтобы предложить все аспекты этого прошлого опыта, художественные и культурные программы в поэзии, танце и исполнительском искусстве поддержат выставку. Макдональд, которая находилась в процессе создания своей работы « Больничный гимн: элегия для потерянных солдат», села со мной, чтобы обсудить ее художественные намерения и цели, а также ее карьеру в качестве артиста. Произведение дебютирует 17 октября в музее.
Дэвид Уорд: Здание Портретной галереи использовалось в качестве военного депо, как больница, а Уолт Уитмен работал медсестрой в этом здании. Насколько история здания сыграла роль в том, как ты задумал свою работу?
Во время моего первого посещения объекта меня сразу поразила мысль, что это великолепное величественное здание когда-то было заполнено больными и умирающими. Я начал думать обо всех духах, которые все еще присутствовали в здании, и я подумал, что это действительно богатая территория для меня. Я отправился домой после этого визита и прочитал « Образцовые дни» Уитмена, которые в значительной степени посвящены его времени медсестры во время гражданской войны. Уитмен пишет конкретно о посещении солдат в больнице Патентного ведомства и о том, как странно было видеть все кровати выстроенными в ряд рядом со случаями патентованных моделей, особенно ночью, когда они были освещены. Я был поражен тем, как Уитмен был одержим и разбит горем по поводу «неизвестного солдата» - тысяч солдат Союза и Конфедерации, которые умерли далеко от дома, без семьи или друзей, и как многие из них были похоронены в массе, без опознавательных знаков. могилы, или вообще не похороненные, просто оставленные разлагаться в лесу или на поле битвы.
Второе, что поразило меня, - это увлечение Уитмена тем, что природа служила своего рода свидетелем страданий и потерь в войне. Он представляет солдата, раненного в бою, который ползет в лес, чтобы умереть, его тело пропало из-за погребальных отрядов, которые пришли через несколько недель во время перемирия. Уитмен пишет, что солдат «рушится на родную землю, не похороненный и неизвестный». Теперь, читая Республику Страданий Дрю Гилпина Фауста, я знаю, что это был не просто воображаемый инцидент, а тот, который произошел с тысячами солдат на войне. И « Дни образцов», и более поздние стихотворения Уитмена о гражданской войне предполагают, что тела этих неизвестных солдат стали компостом нации - их духи теперь присутствуют в каждой травинке, каждом пучке пшеницы и каждом цветке. Он пишет: «… бесконечно мертвые - земля, полностью насыщенная, наполненная выдохом их неосязаемого пепла в химии Природы, которая будет и будет таковой всегда в каждом будущем зерне пшеницы и колосе и в каждом растущем цветке и каждый вздох мы рисуем ... »
Представительница перформанса Марта Макдональд представила свою новую работу « Больничный гимн: элегия для потерянных солдат» в Национальной портретной галерее 17 октября 2015 года в 13:00 (фотография Келли Кобб) ДУ: Портфолио Гарднера «Мертвые в Антиетаме» вызвало сенсацию, когда оно было выставлено в Нью-Йорке в октябре 1862 года. « Нью-Йорк Таймс» прокомментировала, что на фотографиях была «ужасная четкость», благодаря которой гражданские лица стали реальностью войны. Не могли бы вы немного рассказать о том, как темы выставки сыграли свою роль в том, как вы осмыслили произведение?
Я думал о том, как я мог бы выразить эту идею на спектакле в Большом зале, и у меня было такое видение, что я заполнил весь зал красными войлочными цветами - такими цветами, которые могли сделать в ней скорбящая вдова, мать или сестра. Гостиная 19 века из шелка, бумаги или воска, чтобы почтить память своего потерянного любимого. Я представлял это как нагромождение всей этой скорби, скорби нации скорбящих.
Затем у меня возникла идея предложить временную больницу, выровняв зал с военными кроватками, покрытыми белыми простынями, и я положил красные цветы в наволочки и выпустил цветы в спектакле, срезая каждую подушку, открывая, чтобы предложить раны, которые были в порядке. больница Патентного бюро и пролитая кровь. Я хотел предложить не только гибель людей, но и траур, который выполнили все оставшиеся, которые изо всех сил пытались оплакать своих близких без тела, чтобы похоронить.
Это похожая проблема, с которой скорбящие столкнулись после 11 сентября. Этот вопрос о том, как ты скорбишь без тела, важен для меня. Таким образом, тысячи цветов, которые я буду выпускать, предполагают огромную потерю, но они также являются символами обновления и возрождения, как предполагается в компостных изображениях Уитмена цветов, появляющихся из темных полей битвы.
DW: Мы были привлечены к вам из-за вашей работы, олицетворяющей траур. И у нас были разговоры о названии выставки «Темные поля», которая предлагает вес и трагические аспекты решающего периода в американской истории.
На выставке есть фотография Александра Гарднера, на которой изображены тела погибших солдат, выстроенные в линию на поле боя до того, как их похоронят. Когда я впервые увидел фотографию, я был поражен огромным количеством мертвых, но я также обнаружил, что это странно красиво, когда их тела образуют длинную дугу по полю. Это почти скульптурно.
Когда я смотрю на копию фотографии, которую я вешаю на стену в своей студии, а затем смотрю на кучу красных цветов на раскладушке, которую я там поставил, мне кажется, что мои красные цветы также можно увидеть как стенд - для погибших солдат - огромное количество цветов, намекающих на огромные человеческие потери. Фотографии Гарднера проинформируют зрителей о моем более лирическом подходе к предмету.
Я также буду делать небольшой буклет для аудитории, похожий по размеру на маленькие записные книжки, которые Уитмен хранил во время посещения солдат. Буклет будет содержать некоторую справочную информацию об использовании Патентного ведомства в качестве больницы и роли Уитмена в нем, а также тексты песен, которые я пою. Так что люди тоже получат немного образования от этого.
Художница Марта Макдоналд узнала, что на пьесе, которую она сделала в викторианских ритуалах траурного платья, иногда пятна на тканях иногда окрашивали кожу. ( Плачущий портрет (слезные пятна), 2010, фотография Мэтью Стэнтона) ДУ: Я думаю, что мы забываем, как шумная обычная жизнь была примерно в 1850-80 годах - не говоря уже о громкости шума в битве, подобной Геттисбергу, - а также о запахе и запахах того периода. Люди сегодня не понимают, как это было неприятно - конское дерьмо по улицам, солярии, непокрытые тела, одежда, которую никогда не чистили. Сколько из этого вы собираетесь принести на работу?
О, запахи 19 века! Я могу только представить ужас всего этого! Чтение Дней образцов Уитмена и Республики страданий Фауста, безусловно, дало мне ощущение гнилостных запахов, которые кружились бы вокруг лагерей, больниц и полей сражений гражданской войны, но города также были довольно пахнущими птицами местами.
Я много размышлял об этом, когда исследовал траурные платья в викторианском стиле и то, как нестабильные растительные красители окрашивали женские тела. Люди купались так редко, что пятна долго болтались, иногда даже после того, как они вышли из траура. Рецепты, которые я нашел в женских журналах для удаления пятен, казались ужасными - главное, что они использовали - это щавелевая кислота, которую вы используете для чистки столового серебра. В этой части я никоим образом не рассматриваю запахи 19-го века, но меня интересуют другие чувственные переживания того периода - звук моих ног, эхом разносящийся по коридору, когда я иду от кроватки к кроватке, грубая текстура чувствовавших цветов. против четкости белых листов.
ДУ: Мы концептуализируем прошлое с помощью письменных документов или портретов - до 20-го века было немного записей - мы склонны думать о прошлом как о безмолвном, которое, как мне кажется, играет в нашу романтизацию - застывшее в тишине, как экспозиция за стеклом. Как вы это решите?
Я буду петь несколько старых гимнов, которые были популярны в эпоху гражданской войны, некоторые взяты из священной традиции арфы Юга, а другие - северных народных гимнов, таких как «Сияющий берег». Недавно я прочитал этот [гимн ] был очень популярен среди солдат во время войны, но он вышел из моды, потому что напомнил ветеранам слишком много о войне. Неудивительно, что с ее припевом: «Пока мы стоим на берегу Иордана / Наши друзья проходят мимо / И как раз перед Сияющим Берегом / Мы почти обнаружили».
DW: Как эти гимны влияют на ваше выступление?
Музыка, которую я буду петь, основана на воспоминаниях Уитмена о том, как поздно ночью я шел в Оружейную больницу и слышал, как группа медсестер поет солдатам. Он описывает песни как «декларативные гимны» и «причудливые старые песни» и перечисляет некоторые тексты для «Сияющего берега», которые я сейчас изучаю. Он описывает вид «людей, лежащих вверх и вниз по больнице в своих кроватках (некоторые из них тяжело ранены, а некоторые никогда не поднимаются оттуда), сами кроватки со своими драпировками из белых штор и тенями», которые они отбрасывают. Как они наклонили головы, чтобы слушать.
Он говорит, что некоторые из мужчин, которые не были так далеко, пели вместе с медсестрами. Я был удивлен, когда прочитал этот отрывок о пении в больницах, но потом я вспомнил все рассказы, которые я читал о семьях 19-го века, которые поют дома на отдыхе и поют вокруг кровати больного или умирающего любимого человека, и это напомнило мне какой была всепроникающая музыка (или «самодельная музыка», как Уитмен назвал свою запись о поющих медсестрах) в 19 веке. Люди пели на все случаи жизни.
И, как я упоминал ранее, пение дало людям возможность выражать интенсивные эмоции - слишком интенсивные для вежливого общества - такие как горе и утрата. Я большой сторонник целительной силы грустной песни. Когда поют, певец приглашает слушателей войти в контакт со своим собственным горем. Исполнение плача или грустного гимна создает пространство для людей, чтобы плакать или переживать свои эмоции публично таким способом, который глубоко исцеляет, потому что это позволяет слушателям переживать свои собственные драмы в толпе людей, каждый из которых обрабатывает их собственное горе или испытывающие другие глубокие эмоции.
ДУ: Вы разработали ряд статей, основанных на американской истории, которые я, американский историк, должен похвалить. Что привлекает вас в прошлое?
Моя работа заключается в диалоге между прошлым и настоящим. Я нахожу глубокий резонанс с ремесленными и народными песнями, которые люди использовали в 18-м и 19-м веках, чтобы справиться и выразить чувства потери и тоски. Я использую эти исторические формы искусства в своих представлениях и инсталляциях, чтобы выразить свои собственные потери и тоску, а также исследовать присутствие и отсутствие. Я смотрю в прошлое, чтобы поразмышлять о настоящем, но я, конечно, не единственный американский художник, который смотрит на нашу историю как на источник вдохновения.
ДУ: Мне кажется, что современных художников не так интересует американская история как источник или вдохновение - я не прав?
Моя работа может быть контекстуализирована в рамках группы современных художников, занимающихся историей и фольклором для изучения личного повествования и размышлений о текущей социально-политической обстановке, таких художников, как Дарио Роблето, Эллисон Смит и Герцог Райли. Эти художники используют народные ремесла, чтобы передать свое личное повествование, в том числе парикмахерские работы 19-го века, искусство траншеи для солдат (Robleto), татуировку моряка и татуировку (Riley), а также костюмы реконструктора Гражданской войны (Smith).
В Музее современного искусства Хьюстона (2008 г.) и «Исторические события: художники, делающие историю» в MASSMoca (2006 г.) было проведено несколько недавних выставок современных художников, занимающихся историей, в том числе «Старая странная Америка: народные темы в современном искусстве». которые показывают широту этой тенденции.
ДУ: Вы убежденный феминист, не могли бы вы рассказать о том, как вы восстанавливаете женские голоса, как аспект нашего развивающегося исторического понимания.
Я всегда был заинтересован в том, чтобы восстановить женские голоса в своей работе - будь то взгляды на женские стереотипы в опере, литературе и мифологии, как я делал в своей ранней работе, или изучение истории женщин как хранителей памяти в моей более поздней работе. Быть феминисткой является неотъемлемой частью моей художественной практики.
Моя работа - своего рода перформативный отклик на социальную историю женщин во всем ее богатстве, сложности и незаметности. Недавно я прочитал действительно замечательную книгу под названием « Женщины и материальная культура смерти», в которой рассказывается о том, как восстановить в значительной степени невидимую работу, которую женщины делали на протяжении веков, чтобы почтить память погибших близких и сохранить память о семьях, общинах и стране. В своей книге Дрю Гилпин Фауст также рассматривает ключевую роль, которую женщины сыграли в исцелении нации после гражданской войны.
Эти формы ремесла вдохновляют меня как художника, но я также считаю, что людям важно знать о них как о материальных практиках, которые помогали обществу справляться со смертью и потерей и жить с ними. Современному обществу не хватает этих ритуалов. Мы отрицаем смерть и старение. В результате мы полностью утратили связь с собственной непостоянством, которое вызывает всевозможные проблемы, такие как жадность, преступления на почве ненависти, разрушение окружающей среды и т. Д.
Я надеюсь, что моя работа напоминает людям о непостоянстве и думать о своей собственной жизни и о том, как они могли бы адаптировать некоторые из этих ритуалов, чтобы противостоять и жить с потерей, которая окружает их.
ДУ: Поговорите немного о своей художественной эволюции или траектории и о том, как вас изначально обучали.
Я обычно называю себя междисциплинарным художником. Я делаю инсталляции и объекты, которые активирую в исполнении для передачи повествования. В течение последних 10 лет моя работа была сосредоточена на конкретных мероприятиях в исторических домах-музеях и садах, где я рисую на сайте и его рассказах, чтобы исследовать, как эти общественные места связаны с частной историей и эмоциональными состояниями.
Моя художественная практика развивалась по довольно нетрадиционной траектории. Я начал работать журналистом. Я был автором газеты и журнала. Я также пел с профессиональными ансамблями в стиле барокко - выступал в церквях и концертных залах. В середине 1990-х годов я встретил странную, очень политизированную сцену исполнительского искусства в Филадельфии, выступавшую в кабаре и ночных клубах.
Когда я пел свои арии в стиле барокко в этой среде трансвеститов и активистов по СПИДу, я обнаружил мощный потенциал костюмов для передачи повествования. Взволнованный доброжелательными трансвеститами в этой супер-театральной среде, я разработал спектакли, в которых использовались уловки оперы барокко и мифологические персонажи, которые населяли их, чтобы исследовать пол, идентичность и силу, а также мои собственные личные рассказы.
Я опирался на свой опыт журналистики, чтобы сделать тяжелое исследование и написать монологи, которые я говорил с аудиторией. Я написал статью о русалках, сиренах и гарпиях - наполовину женщинах / наполовину звери, которые не вписываются в землю, море или воздух - и о моих отношениях с ними. Я исследовал Безумную женщину в Опере. Я сделал еще один большой кусок, глядя на эпический труд мифологического Пенелопы ткачества и ткачества, чтобы исследовать боль ожидания и принятия, опираясь на смерть моей матери. Эти шоу часто включали видеопроекции (я пел дуэт сирены Генри Перселла с собой на видео), сложные декорации, а иногда и других певцов и танцоров.
DW: Как человек, заинтересованный в создании искусства, как ты превратился в артиста?
После многих лет показа работы в театрах я начал чувствовать себя действительно ограниченным плоскостью театрального просцениума и расстоянием зрителей, пассивно сидящих в затемненном театре. Примерно в то же время меня пригласили в музей и библиотеку Розенбаха в Филадельфии сделать произведение в ответ на их коллекцию редких книг и декоративно-прикладного искусства.
Я был очарован тем, как братья Розенбах использовали свои коллекции, чтобы заново изобрести себя: они выросли как сыновья еврейских торговцев среднего класса, которые обанкротились, но, поскольку братья накопили целое состояние от продажи редких книг в 1920-х годах, они приняли роскошный образ жизни английских деревенских джентльменов. Мое выступление взяло аудиторию на экскурсию по музею, фокусируясь на объектах, которые притворялись чем-то другим - зеркала с китайскими мотивами, мебель в стиле ампир, фальшивые фолио Шекспира - чтобы исследовать, как мы используем наши объекты, чтобы переопределить себя.
Создание шоу в Розенбахе заставило меня понять, что я не очень заинтересован в создании «магии сцены», чтобы перевести аудиторию куда-то еще. Что я действительно хотел сделать, так это буквально пролистать их через сайты и раскрыть их скрытую историю посредством своего рода тура песен.
С тех пор я проводил аудиторию через ботанический сад 18-го века, викторианское кладбище (оба в Филадельфии), на крошечной лодке, плывущей по реке через центр Мельбурна, Австралия, и выходящей на судоходные пути, и в частном - домашний театр, спроектированный Леоном Бакстом в 1920-х годах в подвале особняка в Балтиморе. На протяжении всех этих произведений мой главный интерес состоял в том, чтобы пробудить у зрителей ощущение присутствия на месте - запах и вкус трав на огороде, ветер на деревьях и ласточки, питающиеся насекомыми на кладбище, гигантские контейнеровозы, которые затмили нашу маленькую лодку на реке и угол заходящего солнца в сумерках. Я начал говорить все реже и реже, и сайт и мои объекты говорили больше.
Пение всегда было центральным в моей художественной практике. Это, наверное, самый важный способ выражения для меня. Я чувствую, что это позволяет мне общаться с аудиторией гораздо глубже, чем говорить. Это позволяет другой тип эмоционального контакта. Как член аудитории, я испытываю такой прилив эмоций, когда чувствую вибрацию голоса певца - особенно близко - в своем собственном теле. Я знаю, насколько мощным это может быть. Пение также позволяет мне исследовать и активировать акустику этих пространств и вызывать воспоминания о людях, которые когда-то жили и работали там. Это почти как будто я заклинаю их дух через песню.
Когда я переехал в Австралию в 2008 году, у меня была невероятная возможность и свобода экспериментировать со своей работой, пробовать новые вещи и отбрасывать других. Я перестал петь музыку в стиле барокко в тот момент, потому что я хотел тратить больше времени на создание предметов и костюмов и меньше времени, чтобы поддерживать свой голос в форме. Вы должны быть как профессиональный спортсмен, чтобы петь эту музыку - вокализовать несколько часов в день 5-6 дней в неделю. Когда я начал делать в Австралии работу над викторианской траурной культурой, я воссоединился с аппалачской народной музыкой и продолжаю находить ее преследующие мелодии и тексты, которые так хорошо подходят для выражения тоски и утраты. Мне также очень интересно, как англо-ирландские иммигранты привезли эти песни в Америку на память о домах, которые они оставили. Я восхищен тем, как люди используют народные песни, чтобы связать себя с людьми и местами, которые они потеряли, и выразить чувства, которые они не могут или не могут выразить в вежливом обществе.
Я заинтересован в том, чтобы взять аудиторию в физическое путешествие во времени и пространстве, часто буквально прогуливая ее по сайту. Но я также хочу взять их в эмоциональное путешествие через музыку и визуальные образы, которые я создаю, чтобы побудить их задуматься о своей жизни и своих потерях.
DW: В заключение, что вы надеетесь достичь при создании и исполнении этого произведения?
Думаю, я надеюсь достичь нескольких результатов с помощью спектакля: я хотел бы создать для зрителей впечатления, которые пробудят их на месте Большого зала - удивительной акустике, великолепной архитектуре и «скрытой» истории его использовать в качестве временного госпиталя во время гражданской войны солдат, где солдаты погибли.
Я хотел бы, чтобы аудитория подумала об объеме потерь во время гражданской войны 150 лет назад и, возможно, о том, как это связано с текущими потерями, которые мы испытываем в ходе продолжающихся конфликтов в регионе Персидского залива и эскалации насилия на расовой почве, происходящей по всей стране. прямо сейчас.
И, наконец, я хотел бы пригласить аудиторию подумать о своей собственной жизни и своих собственных потерях и иметь возможность разделить коллективный момент скорби и обновления. Это, наверное, очень много вопросов для аудитории, но это то, к чему я работаю, когда я разрабатываю проект.
18 сентября 2015 года в Национальной портретной галерее откроется выставка «Темные поля республики. Alexander Gardner Photographs, 1859-72 ». Марта Макдональд представит свою работу в рамках серии художественных работ« Идентификация », которая будет открыта в этом году в Национальной портретной галерее 17 октября 2015 года в 13:00.
